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En el contexto donde se concibió la obra, habrá que recordar que el rock se encontraba en una época revitalizante en sus formas, con un rock progresivo en desarrollo, la psicodelia en pleno auge y el flower power en toda su expresión. El hecho de que un grupo de outsiders fueran en la dirección contraria, escribiendo acerca de la parte más oscura de la sociedad norteamericana, y forzando los límites de la canción pop, sin duda le abrió los ojos (y oídos) a algunos pocos e incipientes músicos a explorar esos caminos donde The Velvet Underground estaban abriendo brecha (Recordemos que en términos comerciales The Velvet Underground and Nico fue un batacazo comercial).
Hablar de un álbum tan importante en la historia del rock como Velvet Underground and Nico, es una empresa ciertamente difícil porque han corrido ríos de tinta alrededor de esta obra. ¿Qué se puede decir que no se haya dicho ya acerca de la misma? Probablemente toda crítica caiga donde mismo. Ante tal panorama, la única vía que encontré para expresarme acerca de tan magna obra fue desmenuzándolo a través de sus características más notorias, y dando a notar su importancia a partir de la influencia en otros músicos y corrientes, todo desde una experiencia personal. Hablando no tanto de su calidad musical sino desde su larga sombra en otras propuestas. En pocas palabras, los ejemplos de su infuencia serán dados a través de otros artístas. Veamos:
Contexto.
El medio donde el grupo se insertó, nutrió a lo que se llamó después como Glam Rock. No fue propiamente el grupo el que dio una definición o una línea de lo que sería el estilo visual, sino fue su inserción dentro del espectáculo de Exploding Plastic Inevitable y el entorno de travestismo y personajes extravagantes que rodeaba a Andy Warhol lo que entusiasmaría a gente como Marc Bolan y David Bowie (quien por otro lado era un fan irredento del grupo en sí) a atreverse con indumentarias y conceptos que han aparecido una y otra vez en la historia de la música.
Estructuras.
Como ya se cometó, The Velvet Underground se encontraba dentro de un contexto totalmente renacentista para el rock, llevando un poco más allá lo que ya venían haciendo otros grupos en la época, siendo su propuesta en ocasiones mucho más extrema. Sus aportes con el uso de la viola y elementos del avant garde y jazz dentro de la canción pop abrieron una veta en donde incluso se habla de su aporte en la construcción del krautrock (o kosmiche music si no se quiere caer en la etiqueta inicialmente despectiva pero regularmente aceptada), aunque esto se podría poner un poco en entredicho por el contexto que los grupos germanos tendrían en la época.
Se habla igualmente de que canciones como “I’m Waiting for the Man” dieron el camino al punk, pero igualmente me ha parecido siempre algo aventurado enmarcar esta idea (Al igual que el citado minimalismo musical con que se les relaciona). En pocas palabras, es difícil dilucidar sus alcances mediante la estructura y creación instrumental de sus canciones, pero que ayudó a fortalecer la idea del lo que se suele llamar como art rock (otro término con el cual suelo estar un poco peleado) es innegable.
Letras.
Lo dicho, hasta ese momento, ningún grupo se había atrevido a hablar de esos espinosos y oscuros temas. Hoy día, en géneros como el hip hop, es cosa común hablar acerca de las situaciones de la dura calle y grupos tan emblemáticos a su vez como The Stooges (donde se encontraba uno de los más grandes admiradores del grupo, un jovencito Iggy Pop) tuvieron canciones que no se podrían haber imaginado sin la influencia letrística de temas como “Venus in Furs”. Ellos fueron los primeros en hablar sin ataduras de situaciones que se mantenían en la sombra dentro de la cultura pop.
Atmósferas.
Es indudable que una de las intenciones a nivel musical del grupo fue la creación de ambientaciones mediante la repetición constante y minimalista de la melodía, al mismo tiempo que se apoyaban en disonancias y una carga excesiva por momentos de la instrumentación. A esto lo redondeaba las lánguidas interpretaciones vocales de Lou Reed y la emotiva frialdad de Nico. Canciones como “Venus in Furs” o “All Tomorrow Parties” son el punto de partida del rock gótico o el post-punk. Hoy día, cuando muchos grupos están tomando elementos de estos sonidos perfeccionados por bandas post-punk como Joy División o Jesus and Mary Chain, bien valdría la pena recordar quien puso los cimientos de la misma.
Ruido.
Velvet Underground, a través de canciones como “The Black Angelʼs Death Song” y “European Son”, fueron los primeros también en experimentar con ruido puro y duro, en una afrenta directa y profana a la canción pop (Hecho que se radicalizaría con su segundo disco, el estupendo y aun mas de mi gusto White Ligth/White Heat), sentando así las bases del noise rock y el punk. Esos maravillosos sonidos que han ido evolucionando con los años y que nos ha heredado otros maravillosos grupos que a su vez han sido pilares de otras corrientes y experimentaciones sonoras de gran valía.
Actitud.
The Velvet Underground fueron, aparte de una gran conjunción de talentos, un grupo con una actitud totalmente frontal, cínica y nihilista en una época donde todos le cantaban al florer power. Esta actitud sin duda profetizó (y alimentó) lo que sería el espíritu punk de los 70’s teniendo un eco que ha llegado hasta el rock alternativo de los 90’s y algunas expresiones más subterráneas de nuestra época. De cierta manera su aporte al punk más que formal, siempre me ha parecido de espíritu y actitud.
Diseño.
Con todo y sus pequeños errores en lo que fué el diseño general (demanda de Eric Emerson por el uso de su imágen en la contraportada, el no haber usado el nombre del grupo para la portada, lo que les jugaría un poco en contra al momento de comercializarla, las complicaciones de producción) el plátano es un ícono de la historia del rock y una de las portadas mas sugeretentes y minalistas de la historia, en una época igualmente donde todos apostaban por los diseños sobrecargados y coloridos. Una (complicada) obra de arte en sí mismo.