Publicado por En esta sección recurrente abordaremos diferentes tópicos rápidos con el fin de contrastar y comparar las formas en que los colaboradores y sus neurosis entienden la misma asignación musical. Les presentamos un tema, siete cabezas, diez minutos y cero conclusiones.
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TEMA: CANCIONES ATÍPICAS
Cuando comienzas a enamorarte de la discografía de un artista llega un momento clave: cuando te encuentras esa canción en especial en la que decidieron explorar otra zona de sus influencias o de sus ticks creativos y como resultado obtienes algo que al principio no suena del todo al artista en sí, a veces eso es una bendición y otras es una mancha que saltarás cada que la escuches.
Esta vez estamos reunidos para discutir sobre esa canción en específico que de alguna manera rompe el esquema del artista y aún mantiene su curiosidad artística.
Gera
Canción: “Avril 14th”
Artista: Aphex Twin
De por sí la música de Richard David James ha sido considerada una que rompió esquemas y ha inspirado a otros miles de artistas a crear música en patrones y melodías que se alejen de lo que se pueda considerar convencional o amigable. En cualquiera de sus seudónimos se ha paseado en géneros como el acid, ambient, techno, drum and bass, trip-hop, glitch-hop, drill n bass, cada vez difuminando más las fronteras entre un género y otro, pero ninguna de sus canciones ha impactado tanto mi vida como “Avril 14th”.
Una bella obra para piano en 4/4 que se hizo famosa en el soundtrack de Marie Antoinette de Sofia Coppola, disco que también cuenta con increíbles canciones de Kevin Shields, The Radio Dept, los Strokes y otros más. En ese contexto “Avril 14th” es una pieza clave que suena muy armoniosa junto con sus compañeras soundtrackeras, pero su aparición en el disco Drukqs de Aphex Twin tiene una presencia más profunda al estar rodeada de otras canciones orientadas al ambient y al drum and bass.
En ese disco, “Avril 14th” suena como una aparición fantasmagórica, cálida, juguetona, una visita breve que te recuerda cosas bonitas de la vida y después se desvanece con el viento.
Las canciones atípicas no siempre funcionan, pero cuando lo hacen se convierten en parte esencial del soundtrack de nuestras vidas.
Alex Torres
Canción: “Hey Ya!”
Artista: Outkast
Esto no es Aquemini, esto no es Southernplayalisticadillacmuzik, demonios, esto ni siquiera es Outkast, ¡esto es THE LOVE BELOW!
El hit más grande de la banda es a la vez de forma metafórica el punto final de la sociedad Andre 3000/Big Boi y el inicio de dos artistas que coexisten en el mismo espacio pero colaboran de una forma simbiótica, más que como la sociedad que lanzó a la fama al proyecto.
En sí misma la placa no es hip hop, es una pura canción pop con base pastiche y producción moderna que reafirma la perspectiva universal de Andre, quién carga la canción, video (gran video, pero faltaron más Andre’s para mi) y performance en contrapunto a Big Boi que se decanta por una aproximación decididamente más coyuntural, local y tradicional respecto al género.
Una canción perfectamente producida y planeada, que habla en términos prácticos de una ruptura pero que suena igual de bien en una boda, en un club o en tu cuarto mientras haces playback con el control remoto.
[gus]
Canción: “Pumpkin Soup and Mashed Potatoes”
Artista: The Fall
The Fall, la legendaria banda inglesa estandarte del post-punk, liderada por el genial Mark E. Smith, ¿interpretando una canción jazz que habla sobre comida? Es correcto y es magnífica.
Seguramente el cantante inglés se inspiró en uno de sus innegables referentes, el excéntrico Captain Beefheart, a pesar de esto, resulta bastante extraño escuchar al ilustre poeta cantando acerca de sopa de calabaza y puré de papas.
Es cierto que Tha Fall cubrió una gran cantidad de territorio sonoro a lo largo de los años, “Eat Y’Self Fitter”, “Bill Is Dead”, “Cruiser’s Creek” y “Big New Prinz” son muestra de esto, sin embargo, “Pumpkin Soup and Mashed Potatoes” del álbum The Unutterable, es una especie de acontecimiento para el grupo, la cual difiere del sonido abrasivo, tenso y punzante del resto de su discografía.
Por más extraño que parezca, es Mark E. Smith, el mordaz y atormentado cantante adicto a las anfetaminas y el alcohol, divirtiéndose y acompañado por una flauta de jazz.
Adriana Armenta
Canción: “The State We’re In”
Artista: The Chemical Brothers
The Chemical Brothers, conocidos por su sólida estructura musical en el ámbito electrónico; los responsables del grandioso éxito “Hey Girl, Hey Boy”, han demostrado ser un proyecto de muy buena calidad musical, tanto en sus composiciones sonoras y líricas. Además, su genialidad se refleja en el lenguaje visual de sus presentaciones en vivo y en sus videos musicales.
Es una agrupación que me causa gran admiración. Mi gusto por ellos se ha desarrollado poco a poco hasta llegar a considerarlos una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, tanto por su expresividad y sonoridad innovadora e irresistible.
Del cuarto álbum de estudio Come With Us (2002) destaca la canción “The State We’re In”. Esta pista nos ofrece aires sutiles y nostálgicos, muy diferentes de lo que estamos acostumbrados a escuchar de ellos. Considero que es una canción disruptiva tanto en el álbum como en el sonido en general del dúo.
Conocí esta canción por casualidad, recomendadas por los algoritmos de Spotify y fue justo cuando estaba por agregarla a una lista de reproducción, me di cuenta de que era de The Chemical Brothers. De no haber sido por eso, no habría creído que fuera suya.
Para este ejercicio de canciones atípicas, decidí escribir un conjunto de palabras (las primeras que me vienen a la mente) que definen como es que percibo su estilo en general y la canción en cuestión, para poder observar la polaridad entre ambos:
Música de Chemical Brothers: Alegre / Electrizante / Poderosa / Rítmica / Dinámica / Atemporal
Canción “The State We’re In”: Sutil / Cálida / Armónica / Nostálgica / Vulnerable / Tersa
Sí ponemos atención las palabras que describen a la música en general y las que describen la canción en particular, resultan ser casi antónimos. Por eso elegí esta canción, ya que la considero atípica al resto de su repertorio de canciones.
Enrique Carlos
Canción: “Libertariana Song”
Artista: Nacho Vegas
Conocí el trabajo de Nacho Vegas en 2005, antes del punto de inflexión en su carrera que significó el álbum a dúo con Enrique Bunbury. Las pocas canciones que tenía al alcance [“Michi Panero”, “Miss Carrusel”, “Ángel Simón”, “Seronda”] las escuchaba en su MySpace oficial. Aquel sonido crudo fue pulido un poco en El Tiempo De Las Cerezas y hubo puristas [paranoicos] del indie que lo tomaron como traición.
Pero lo cierto es que, en esencia, era el Nacho de siempre, y se embarcó, con éxito, en la conquista de nuevos públicos… Hasta que en 2014 vio la luz Resituación, su sexto LP, y aquí el cambio fue más estructural. Además de un nuevo sonido, hubo un giro en la manera en que Nacho afrontaba sus textos, lejos de la oscuridad, autorreferencia y malditismo de sus trabajos anteriores. Un disco político que buscaba la canción pop como vehículo para su mensaje. Álbum atípico que descolocó a muchos seguidores [hasta la fecha es poco celebrado entre la comunidad veguista].
Dentro de este puñado de canciones hay una que resulta particularmente excepcional: “Libertariana Song”. ¿Nacho Vegas cantando con humor contestatario sobre una base de ritmos latinos? Nadie podría haber vislumbrado esta posibilidad apenas un año atrás. Debo admitir que a mí también me tomó por sorpresa, sin embargo, logró un tema genial que adereza a la perfección uno de los mejores discos de su trayectoria.
Aprovecho los aires politizados de nuestro país para citar un fragmento:
Hay expresiones que suenan bien
y otras que hacen gracia,
de las primeras justicia social,
de las otras meritocracia.
Vamos a usar las dos a la vez,
a ver qué tal nos cae…
dicen que acaba de implosionar
el edificio de la RAE.
Rodrigo “Bola” Torres
Canción: “Shiny Happy People”
Artista: R.E.M.
En 1991, ocho años después del inicio de la banda, R.E.M. lanzaba su primer álbum en conseguir posicionarse en lo más alto de las listas. Out Of Time daba a conocer a Michael Stipe y compañía al público masivo de forma global.
Es justo en este álbum en donde aparece un tema relativamente atípico respecto al resto de su catálogo y a su aura como abanderados por años del denominado rock alternativo.
“Shiny Happy People” representa probablemente el lado más jangle y accesible de R.E.M. y fue su primera canción en alcanzar el número uno en Reino Unido. De la mano de su altamente transmitido en MTV video y de la colaboración con la excelente Kate Pierson, es una canción que irradia felicidad de manera flagrante y desacomplejada. Los momentos melancólicos en que suena el arreglo de cuerdas, en realidad potencia el brillo del resto del track.
Se ha dicho que a la misma banda le disgusta esta canción y que en realidad es una crítica irónica. Sea como sea, el 99% de quien la escucha tiende a convertirse casi instantáneamente, al menos en su mente, en ese Michael Stipe del video, bailando como poseído por alguna entidad conformada por una mezcla entre Chandler Bing y Jim Carrey.
Here we go!!
Toño
Canción: “Carnicero De Giles / Sueño”
Artista: Los Fabulosos Cadillacs
En el álbum Fabulosos Calavera de Los Fabulosos Cadillacs la banda había dado un salto al vacío en su exploración musical, yendo mucho más allá, en cuanto a mezcla de géneros, que lo que habían hecho en Rey Azúcar.
Sin embargo, dentro de toda esa exploración musical, había un tema que parecía incluso ser más disruptivo y hasta difícil: “El Carniero de Giles / Sueño”, basado en un asesino serial que aterrorizó en la época a Argentina, y que, como su nombre indica, eran dos temas en uno: por un lado un thrash/death metal -género que prácticamente nunca volvieron a explorar- y un jazz barriobajero, con cierto aire a Tango, entrelazados. Si bien al segundo género sí volvieran a acercarse de alguna manera durante su carrera, es esa incursión a los ritmos pesados -algo que no era habitual en la banda, aunque si muy del gusto de un músico como Sr. Flavio- la que lo vuelve un tema tan singular.
Para quien esto escribe, y siendo un amante del metal extremo, esa incursión al género hecha con tal desparpajo, fue algo que me fascinó desde la primera vez. Me pareció por otro lado, una locura el intercalarlo con algo más suave y jazzero, pero esa combinación, increíblemente funcionaba, sumado a una letra que también intercalaba momentos que, si bien hablaban en todo momento de la muerte, lo hacían con distinto tono, acorde a la intensidad musical marcada por los distintos géneros. Vamos pues, que más que una ocurrencia o experimentación, termina siendo pura expresividad.
Sin duda, La canción más atípica del disco más atípico de los Fabulosos Cadillacs.