Publicado por Para cerrar el ciclo dedicado a The Smiths por los 40 años desde su debut, armamos un Top 40 de sus canciones.
Añadimos unas cuantas líneas respecto a cada una de ellas y al final les dejamos el playlist.
40.- Some Girls Are Bigger Than Others (The Queen Is Dead, 1986)
Me duelen los dedos cuando les digo que esta canción me causa conflictos que a veces me impiden disfrutarla del todo. Por un lado, está la magnífica composición musical de Johnny Marr con dos guitarras conversando entre ellas desde el inicio, y por el otro lado está la letra de Morrissey, que es mi menos favorita por decir algo, además de ese efecto tan innecesario de falso fade in al inicio, pareciera que sí tenían muchas ganas de arruinar la canción. De hecho, este recurso fue sugerido por el ingeniero de sonido Stephen Street, como una inversión deliberada al falso fade out utilizado en “That Joke Isn’t Funny Anymore”
Con Some Girls cierran su hermoso tercer disco y por eso la perdono, pero necesito hacer un esfuerzo en solo enfocarme en la melodía. El mismo Marr ha dicho: “es verdad que prefiero la música que la letra”. Gerardo Lamas
39.- Nowhere Fast (Meat Is Murder, 1985)
En este, el tema más corto de Meat Is Murder, Morrissey reflexiona sobre el sinsentido de su existencia en una época dominada por el consumismo. Y, aunque las emociones no son algo demasiado vivo dentro de él, sí hay dos excepciones: su odio violento hacia la monarquía (mismo que aparece por primera, pero por supuesto no última, vez en sus letras) personificada en este caso por una reina y su menosprecio hacia la clase menos privilegiada y la tristeza que le evoca el sonido del tren al pasar.
En lo que respecta a la música, destaca el ímpetu y la vivacidad de la base y los cortes que funcionan como motivos dentro de la fugaz canción. De acuerdo con Johnny Marr en esta época y en esta canción en específico buscaba un sonido americano pero lejano al estándar, sonido que se vio fortificado por el bajo de Andy Rourke. Y aunque es una canción de la que públicamente Marr ha renegado, esos rasgueos con tremolo son ya un sonido legendario dentro de la discografía de la banda.
Una canción para sumergirse en esa hundrum town presentada en “William, It Was Really Nothing” y escuchar cuando ni la vida ni la muerte son particularmente atractivas. Rodrigo “Bola” Torres
38.- You Just Haven’t Earned It Yet, Baby (The World Won’t Listen, 1987)
Hay algo de lo que Morrissey nunca se sintió avergonzado: su deseo por ser famoso. Este tema está presente en canciones como “Frankly, Mr. Shankly”, “Girl Least Likely To” y, por supuesto, “You Just Haven’t Earned It Yet, Baby”.
La leyenda cuenta que el título proviene de lo que Geoff Travis fundador de Rough Trade Records le respondió al hacerle una petición, y vuelve a atacar con la misma frase dentro de “Paint A Vulgar Picture”.
De cualquier forma, esta canción contine uno de los coros más infecciosos dentro de su catálogo a la par de una melodía exquisita típica del primer sonido de The Smiths y, de no ser porque se consideró a “Shoplifters Of The World Unite” una mejor opción, este hubiera sido su sencillo número 13. Por lo que tuvo que esperar para ver la luz al lanzamiento de la compilación The World Won’t Listen, de la que fue el único tema original.
Dato curioso: el arreglo del coro es el mismo utilizado después por Morrissey en “You Have Killed Me”, pero en una escala diferente.
Dato curioso 2: Kirsty MacColl, quien cuenta con la singularidad de haber trabajado tanto con Marr como con Moz, casi en simultaneo, en esa espinosa época post-Smiths temprana, tiene un cover del tema. Rodrigo “Bola” Torres
37.- Suffer Little Children (The Smiths, 1984)
Compuesto en el primer encuentro entre Morrissey y Marr con fines creativos, es también el tema encargado de cerrar su álbum debut.
Inspirado en parte por el libro Beyond Belief de Emlyn Williams sobre los asesinatos cometidos en su natal Manchester, Morrissey había escrito la letra previo a su colaboración con Marr, quien le puso melodía leyéndola en hojas escritas a máquina esparcidas en el suelo. Desde este momento se generaría el trademark de The Smiths: letras cargadas de pesimismo y melancolía envueltas en melodías ligeras y pegajosas.
Morrissey tenía, más o menos, la edad de algunas de las víctimas de los llamados Moors murders y vivía en las calles de las que algunos de los niños fueron secuestrados. Esto hizo que los eventos tuvieran un impacto especial en él, y escribió la canción desde el punto de vista de un niño asesinado, pidiendo ser encontrado.
Un himno de reclamo a su ciudad y a los asesinos: We will haunt you when you laugh / Yes, you could say we’re a team / You might sleep / But you will never dream / Oh Manchester, so much to answer for. Rodrigo “Bola” Torres
36.- Pretty Girls Make Graves (The Smiths, 1984)
Otro tema con toda la esencia Smith y ya con ello, es suficiente para esperarse algo bueno. Aun así, siempre me ha parecido sobresaliente por, sobre todo, la alucinante línea de bajo. Pero creo que lo que la hace grande es la letra, otra de esas en las que Morrissey hace gala de su lírica dejándonos interpretaciones personales con gran profundidad y sutileza. Casi con el oficio de un literato. Y para redondear, otro gran título.
En este tema aparece la voz de la misteriosa Annalisa Jablonska, de quien no se sabe nada más que es una “amiga de Morrissey” y que contribuyo en este tema y en “Suffer Little Children”.
De acuerdo con Jo Slee, el diseñador de portadas de la banda, Morrissey quería que “Pretty Girls Make Graves” fuera el tercer sencillo de la banda en lugar de “What Difference Does It Make?”. Tony Spinotti
35.- You’ve Got Everything Now (The Smiths, 1984)
Una canción que contiene todos los elementos que uno espera en un tema de The Smiths: ataques de Morrissey a sus pares generacionales, inspiraciones literarias por parte de Shelagh Delaney y Shakespeare, guiños al cine de Bette Davis, falsetos y cuatro minutos de duración de pop rock cargado de carácter.
En este caso las víctimas de la afilada pluma de Moz fueron dos, principalmente sus ex compañeros de escuela que, de acuerdo con él mismo y parafraseándolo, parecían ir alcanzando el éxito a pesar de no ser los más brillantes, mientras él, parecía tener cerebro, pero nada más, mientras los vía desde la parada del autobús pasando en sus autos. De paso, también le dedica un par de líneas por primera vez a Margaret Thatcher y sus políticas laborales. Sobre esto y la famosa línea No, I’ve never had a job / Because I’ve never wanted one Morrissey en entrevistas ha alabado la condición de desempleo como una virtud que permite a las personas desarrollarse y pensar por sí mismas.
El sonido abrasivo de la canción la hizo un tema muy celebrado entre sus fanáticos y recurrente en sus directos, utilizada como tema de apertura en la gira de 1983 y como encore incitador de disturbios en la gira por Reino Unido de 1984.
Dato: el órgano Hammond previo a cada coro fue tocado por Paul Carrack. Rodrigo “Bola” Torres
34.- This Night Has Opened My Eyes (Hatful Of Hollow, 1984)
Tienes que ser un auténtico psicópata o un portento de confianza desbocada en ti mismo para escribir la segunda parte apócrifa de una de las obras más importantes de la literatura Británica de la post guerra. Pero llamándote Stephen y apellidándote Morrissey resulta de lo más cotidiano. Como cotidiano fue dejar una canción por la que el noventa por ciento de las bandas de la historia matarían fuera de tus discos oficiales.
Inconforme con el desenlace no definitivo de “A Taste Of Honey” de Shelagh Delaney, Moz plantea lo que pasaría con Jo y su hijo utilizando guiños a la obra original y declarándole su amor al, una vez más, dejar abierto a la interpretación el destino de los personajes. La banda acompaña creando un elegante marco donde el bajo de Rourke sirve como escenario y la guitarra como las luces del mismo. La dicotomía de The Smiths encarnada, una versión delicada de pop literario de salón que coincidentemente habla de los universales filosóficos en forma de cotidianeidad. La belleza de The Smiths. Alex Torres
33.- Handsome Devil (Hatful Of Hollow, 1984)
Otro magnífico tema obviado en la discografía oficial de la banda, “Handsome Devil” es una explosiva pieza de rockabilly thrash desbocada que carga con las líneas más directamente sexuales y provocativas de su catálogo. Nunca los más talentosos para detectar la ironía, varios políticos británicos de derecha condenaron públicamente a la banda, sin notar que la canción en su origen más profundo era una sátira de la mojigatería en la música popy en la sociedad Thatcheriana.
La imagen y el contenido es borderline sardónico pero sin perder la orfebrería propia de la poesía de Morrissey, a esas alturas ya reconocible, y el tema en vivo era imparable, con el riff de Marr empujando y empujando hasta llegar a tal vez a la línea que podría funcionar como el ethos de todos los que en nuestra adolescencia nos enamoramos de The Smiths: Hay más cosas en la vida que los libros, ¿sabes?, pero no muchas más. Alex Torres
32.- Barbarism Begins At Home (Meat Is Murder, 1985)
“Vida humana eres Dual, destruyes y edificas con luz y oscuridad. Pretendes sembrar la paz, pero te deleitas con los brotes de la guerra, con sangre vertida germinas tu victoria y los altares de tus dioses” Diego Espejel Jiménez.
Es una frase leí recientemente en un museo, me di cuenta de que, lamentablemente la temática bélica siempre será atemporal. La canción proviene de uno de los discos más oscuros de la agrupación ya que el concepto principal es la guerra. La portada y el título del álbum, así como de la canción nos presentan una crítica muy contundente. En 1985 año en que fue lanzado hubo varios conflictos (como los de Afganistán e Irán-Irak) temas con los que Marr y Morrissey evidentemente no se sentían cómodos, y quisieron hablar al respecto a través de la música.
La melodía, corre con cierta urgencia; se siente intermitente e inagotable; una grieta en la cabeza es lo que obtienes por no preguntar: violencia, injusticia, sangre, dolor, un hueco en el estómago. Adriana Armenta
31.- I Want The One I Can’t Have (Meat Is Murder, 1985)
Una oda al gélido clima social de los años ochenta, donde sobre un ritmo precipitado y ansioso conducido por la batería de Joyce y la magia de Marr, Morrissey revaloriza los pequeños rincones donde la gente común se puede resguardar de los constantes ataques de la estructura social construida por la bruja de hierro y sus amigos.
Con sarcasmo se narran uno a uno dramas cotidianos de cabeceras y corazones rotos como refugio de una realidad donde lo macro es tan agobiante que hace cuestionar inclusive la naturaleza del individuo. Sí, todo está perdido y el cambio climático nos hará un recuerdo, pero lo verdaderamente trágico es lo que no le pudiste decir a esa persona sobre la que escribías en la última página de tu cuaderno en preparatoria. Alex Torres
30.- I Started Something I Couldn’t Finish (Strangeways, Here We Come, 1986)
Lanzada en 1987 como parte del álbum Strangerays, Here We Come. Esta canción se diferencia de muchas otras de The Smiths por tener una melodía más alegre y enérgica. La composición transmite una sensación de urgencia y movimiento que encaja perfectamente con la temática de la letra: tomar decisiones impulsivamente, iniciar algo sin tomar las medidas necesarias para luego descubrir que no se puede terminar. Puede referirse a un proyecto, una relación o cualquier situación que se nos va de las manos.
Sin embargo, todo esto es válido: somos humanos, tenemos un derecho intrínseco a equivocarnos y no siempre tenemos que disculparnos por eso.
Una canción con prisas, con impulsos que nos reflejan una parte muy vulnerable del ser humano. Adriana Armenta
29.- London (Sencillo, 1987)
The Smiths poseía la costumbre de publicar canciones únicamente como sencillos, “London” es uno de estos casos. Originalmente lanzado como el lado B de la canción «Shoplifters Of The World, Unite» y posteriormente en los compilados The World Won’t Listen y Louder Than Bombs.
Los acordes de Johnny Marr y de Craig Gannon conducen el tema a otro nivel. «London» comienza mediante una carrera de trenes a manera de feedback para ser embestidos por la sección rítmica de Andy Rourke y Mike Joyce.
La letra es bastante directa; aborda la confusión y las dudas que surgen después de tomar una decisión precipitada, pensando que es la correcta, y cómo las personas que te rodean llegan a manifestar celos debido a la falta de confianza para actuar de la misma forma. [gus]
28.- A Rush and a Push and the Land Is Ours (Strangeways, Here We Come, 1986)
Esta canción abre uno de mis álbumes favoritos de The Smiths: Strangerways, Here We Come. La fuerza y el dramatismo con los que Morrissey la interpreta son simplemente sublimes. La teatralidad que le imprime con su voz nos lanza a un torbellino de emociones, principalmente una mezcla de euforia e ironía.
El mensaje que explora ha resonado en mi mente en los últimos días: cuando nos mantenemos en constante comparación con los demás podríamos llegar a perder la confianza en nosotros mismos. Sin embargo, gracias a la resiliencia, llega un punto en el que “algo” nos hace despertar a esa realidad y comenzamos a tomar el control de nuestras vidas con determinación y voluntad. Ese “algo” quizás podría ser simplemente, un pequeño empujón y entonces “la tierra será nuestra”. Adriana Armenta
27.- I Won´t Share You (Strangeways, Here We Come, 1986)
Esta chulada de canción está en mi top 5 de canciones que más amo de los Smiths, y cada que la escucho me transporta a mi lugar feliz en donde la realidad solo es un murmullo lejano. Cuando la escribieron no sabían que era la última canción de los Smiths, y ahora mucha gente ridícula cree que la letra habla de Johnny Marr, pero no les crean.
La voz de Morrissey, el bajo de Andy Rourke, y (según la bio de Morrissey) una especie de mandolina antigua que Johnny Marr encontró en un rincón olvidado del estudio Wool Hall, así nació “I Won’t Share You” y así terminó la racha de cuatro hermosos discos de una banda tan legendaria e importante que me hace llorar el pensar que nunca más habrá más Smiths. Gerardo Lamas
26.- Ask (Sencillo, 1986)
Creo que esta canción se encuentra dentro de las más reconocidas de los Smiths y de las más icónicas del rock alternativo de los 80’s. Una vez más Johnny Marr escribe unos riffs pop rock inolvidables con su peculiar forma de acariciar la guitarra, acompañado de un Mike Joyce alegre en su set de percusiones con un Morrissey coqueto que trata de salir de sus murallas sentimentales para tener contacto con alguien. Una absoluta gema de canción.
Aquí aparece de nuevo la costumbre de Morrissey por tomar fragmentos de piezas literarias para agregarlas a sus canciones. En este caso toma la frase “Nature has a language, you see, if only we’d learn to read it” de la obra de Alan Bennett Me, I’m Afraid Of Virginia Woolf.
Para complementar el tema, Kirsty MacColl suma su voz para los coros. Gerardo Lamas
25.- The Queen Is Dead (The Queen Is Dead, 1986)
Musicalmente, esta canción es única ya que nació de improvisaciones entre Andy Rourke, Johnny Marr y Mike Joyce; líricamente, una de sus canciones más controversiales por su contenido antimonárquico; en mi corazón, una de las mejores canciones para empezar un disco que se hayan escrito por lo menos en los 80’s.
A lo que más recomiendo poner atención es al bajo, Andy Rourke escribió de sus mejores melodías para su instrumento en esta canción, que por cierto iba terminar en fade out pero al final la versión del disco termina diferente.
Sobre el claro ataque a la monarquía que esta canción y este disco representan Morrissey dice lo siguiente: «Encuentro que a medida que pasa el tiempo esta felicidad que teníamos se desvanece lentamente y es reemplazada por algo que es completamente gris y totalmente entristecedor. La idea misma de la monarquía y la Reina de Inglaterra está siendo reforzada y se la hace parecer más útil de lo que realmente es, cuando consideras la contribución mínima que hacen para ayudar gente. Nunca, bajo ninguna circunstancia, hacen una declaración útil sobre el mundo o la vida de las personas. Todo esto parece una broma, una broma espantosa. No creemos en los duendes, entonces ¿por qué deberíamos creer en La Reina?”. Gerardo Lamas
24.- Panic (Sencillo, 1986)
Hay dos detalles que me hacen querer bastante está canción. La primera, el trasfondo detrás y todo lo que la envolvió: la insensibilidad del locutor Steve Wright al poner un superficial tema luego de la noticia de la catástrofe nuclear de Chernobyl, y la interpretación racista que se le dio al tema posteriormente.
Y, por otro lado, el que prácticamente sea un tema que se pirateaba la base de otro («Metal Gurú» de T. Rex) y que, sin embargo, logra tener su propia identidad y su encanto. ¿A poco no es para adorarla?
“Panic”, que alcanzó el número 11 en las listas de popularidad, fue votado el mejor sencillo del año por los lectores de NME e, irónicamente, también dentro del puñado de “mejores canciones para bailar”, es uno de los pocos temas en los que Marr compuso la melodía como respuesta a una letra de Morrissey. Es decir, la forma inversa a su proceso normal de composición.
El tema es uno de los muchos que han aparecido en películas, en este caso en Shaun Of The Dead de Simon Pegg y Edgar Wright. Tony Spinotti
23.- Rubber Ring (Sencillo, 1985)
Originalmente fue la cara B del sencillo “The Boy With The Thorn In His Side” y formó un medley junto a “Asleep” la otra cara B.
Su génesis melódica se remonta a los chequeos de sonido de la gira para Meat Is Murder, en los que solía tocarse “Green Onions” de Booker T & The MGs. Cuando volvieron al estudio, Johnny Marr modificó el tono, ligeramente más desarticulado y cargado al funk en cuanto a ritmo, y se convirtió en la base para “Rubber Ring”. Aunque hay mucho que decir sobre la música, los sampleos teatrales de obras de Wilde y grabaciones de ultratumba, lo que hace especial y única a esta canción es su letra.
Morrissey hace una meta escritura colocándose a sí mismo, con plena conciencia, en el papel que muchos otros jugaron antes dentro de su juventud. Él, como muchos, sabe lo que es ser salvado por la música, por ciertos artistas y ciertas canciones verdaderamente especiales. Y como muy, muy pocos, sabe lo que es estar en ambos lados: salvado y salvador. Desde esa posición privilegiada nos habla de manera directa, se adelanta a los hechos y nos reclama la traición que sabe que perpetuaremos contra él.
No se sabe si se alegra o se entristece de que sus fieles más devotos puedan superar esos momentos de dependencia emocional para finalmente poder bailar y reír y vivir, pero lo último que nos dice en la canción es la añorante pregunta: Do you love me like you used to?
Casi 45 años después, Morissey lanzó “You Were Good In Your Time”, canción que podría verse como la versión bizarra y pesdillezca de “Rubber Ring” Rodrigo “Bola” Torres
22.- Stop Me If You Think You’ve Heard This One Before (Strangeways, Here We Come, 1986)
La primera canción en la discografía de The Smiths con un solo cortesía de Johnny Marr y su bellísima Gibson de 12 cuerdas. Censurada en Reino Unido y publicada en el último álbum de la banda: Strangeways, Here We Come, la ingeniosa y oscura letra de “Stop Me If You Think You’ve Heard This One Before” alude al alcoholismo y al engaño.
Este tema representa la síntesis de todos los aciertos en las composiciones de The Smiths: una breve y atractiva melodía pop, letras penetrantes e inteligentes y una radiante tonada de guitarra.
La portada del sencillo es una imagen del actor y cantante británico Murray Head, en el filme The Family Way. [gus]
21.-Asleep (Sencillo, 1985)
Una pista sombría y de efecto melancólico. A pesar de la constante ironía en las composiciones de Morrissey, “Asleep” destaca por su dolorosa sinceridad y la sublime melodía del piano. Este tema se grabó en la misma sesión que “Rubber Ring”. En el sencillo original de 12”, ambas canciones fueron fusionadas con la finalidad de brindarles continuidad; el último fragmento vocal, en loop, de “Rubber Ring”, se mezcla con el sonido de viento del comienzo de “Asleep”, creando un efecto atmosférico.
En el libro Las Ventajas De Ser Invisible, del autor Stephen Chbosky, “Asleep” figura como la canción favorita de Charlie, el personaje principal. [gus]
20.- Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me (Strangeways, Here We Come, 1986)
El último sencillo de The Smiths resultó ser la canción favorita de Morrissey y Johnny Marr. “Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me”, posiblemente, es la canción más teatral y emotiva de The Smiths; con una introducción en piano de dos minutos y una de las composiciones más desesperanzadas en la discografía de la banda. Hermosa y desgarradora en igual proporción.
El ritmo de la batería de Mike Joyce suena al de un corazón exhausto y fragmentado, el cual, concluía con un repentino paro cardiaco al final de los compases. Andy Rourke suena igual de fascinante, creando una majestuosa y elegante sinfonía junto a Marr.
Un tema de particular relevancia debido a la mención, en uno de los pasajes más citados del extraordinario libro Alta Fidelidad de Nick Hornby, acerca de las rupturas amorosas y sus efectos en las personas:
“Algunas de mis canciones favoritas: ‘Only Love Can Break Your Heart’ de Neil Young; ‘Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me’ de The Smiths; ‘Call Me’ de Aretha Fanklin; ‘I Don’t Want to Talk About It’ de cualquiera…
… ¿Qué fue primero: la música o la tristeza? ¿Me dio por escuchar música porque estaba triste? ¿O es que estaba triste porque escuchaba música? ¿No te convierten todos esos discos en una persona de tendencia melancólica?” [gus]
19.- Half A Person (Sencillo, 1987)
La prueba del ácido del catálogo de The Smiths. Si quieres discernir entre un fan y una persona que forma parte molecular del culto solo necesitas saber si “Half A Person” está en su lista de canciones que «salvaron tu vida». Carente de muchas de las características populares de los otras temas preferidos de The Smiths, los riffs que levitan, las inflexiones vocales idiosincráticas y el veneno literario a mansalva, lo que queda es una balada dolorosamente elegante y monocromática donde el humor y la vena mordaz apunta inusualmente hacia dentro.
Equivocadamente se ha traducido la canción como una especie de historia autobiográfica de un Morrissey joven deambulando por las calles ajenas de Londres cuando en el fondo es un análisis de que seguimos siendo lo que fuimos (sixteen, clumsy and shy) pero sin la justificación y el encanto que la juventud brindaba a dicho conjunto de características, una versión más socialmente funcional pero rematadamente más mórbida de nosotros mismos (in the days when you were hopelessly poor, I just liked you more). Alex Torres
18.- Shoplifters Of The World Unite (Sencillo, 1987)
Otro tema resplandeciente, y van decenas ya, editado únicamente como sencillo. Shoplifters se erige como un track extremadamente teatral en sus arreglos con una estructura provocadora y de estilo libre en su letra. Más allá del obvio aliento a la clase trabajadora y su intrínseca oposición a los poderes fácticos representados por los medios de capital y su brazo comunicacional, empuja hacia una apropiación social de las obras culturales que dejaron de ser vividas por la gente común para solo ser apreciadas por los estratos privilegiados.
Negándose a quedarse atrás Moz se une al juego, desplegando su afición por la apropiación lírica, como lo hace en “Cemetry Gates” y varias más, tomando prestadas frases de Joni Mitchell, Rickie Lee Jones y James Dean para construir una especie de haiku volátil sujetado apenas por hilos, mientras Marr nos regala un puente y un riff con clara inspiración en Marc Bolan haciendo de este tema una variación cuasi glam de las texturas brillantes de “How Soon Is Now?”
Traté de escuchar otras bandas en lugar de The Smiths, pero me aburrí antes de empezar. Alex Torres
17.- Heaven Known I’m Miserable Now (Sencillo, 1984)
Otra de las razones por las que amamos las letras de Morrissey es por sus guiños a otras obras mientras desmenuza sus sentimientos respecto a lo que le aqueja, en este caso al sencillo «Heaven Knows I’m Missing Him Now» de Sandie Shaw.
Esta canción le canta a esa parte de la vida cuando te sorprendes estancado y sin una salida disponible a la vista. Observando alrededor tratando de encontrarla, el narrador describe diversas áreas de su vida donde se siente igual, teniendo como única opción sollozar en la bonita voz de Morrissey.
Morrissey y Marr escribieron esta canción en un cuarto de hotel en Estados Unidos, tras tener que cancelar algunas fechas debido a una enfermedad de Mike Joyce, al sentir que estaban desperdiciando una oportunidad de afianzar su popularidad en el país. Y de paso, Morrissey aprovecha para cargar contra la vida laboral, de la que se expresa de la siguiente manera: “Había momentos del día en los que me daba cuenta de que estaba aquí trabajando con esta gente que despreciaba. Tenía que hablar con estas personas horribles y preguntarles qué hicieron ayer, y tenía que rendirle cuentas a un jefe que no podía soportar. Cuando estás en esa posición te das cuenta de que en realidad estás pasando toda tu vida viviendo con gente que no te gusta… o sea, ‘¿patear en el ojo’? Sí, literalmente. Seamos completamente honestos, a veces nos enojamos tanto con la gente que no somos reacios a la violencia”.
Su primer tema en alcanzar el top 10. Gerardo Lamas
16.- Back To The Old House (Sencillo, 1984)
Una canción nostálgica y evocadora con una composición tranquila y delicada. Cuenta con una narrativa de añoranza por el pasado y un toque de romanticismo. De hecho, la melodía inicialmente fue escrita por Johnny Marr con su novia, ahora esposa, Angie Brown en mente.
En tan solo tres minutos y seis segundos la banda logra transmitir sentimientos profundos, enriquecidos por la melodía y la letra. Aunque esta canción no formó parte de ningún álbum oficial fue incluida en un álbum recopilatorio pero que supo cobrar bastante peso por su significado y el contexto de los músicos en el tiempo que fue escrita. Nuevamente vemos al dúo de Johnny Marr y Morrissey fusionarse para dar vida a un tema delicado y cargado de nostalgia.
La versión que más se recuerda y se toma como oficial de manera generalizada es la que grabaron para su segunda John Peel Session y que aparece en Hatful Of Hollow. El mismo Johnny considera que la versión acústica de Hatful “tiene algo especial que la otra versión no tiene”. Adriana Armenta
15.- What She Said (Meat Is Murder, 1985)
Uno de los pocos temas que Morrissey y Marr compusieron a la par. Se trata de un tema breve y contundente tanto en lo musical como en la letra. Respecto a esto último, en este caso Morrissey recurre a la tercera persona para narrar desde una perspectiva femenina.
La ella en “What She Said” parece ser una de sus musas durante aquellos momentos: Elizabeth Smart. Una poetiza y escritora canadiense de la que toma prestadas algunas líneas para esta canción, específicamente de su novela escrita en prosa poética titulada By Grand Central Station I Sat Down And Wept de 1945. El tema presenta precisamente a un personaje intelectual y depresivo (similar a un Morrissey adolescente) que termina, tragicómicamente, teniendo un encuentro revelador con un muchacho tatuado de Birkenhead.
Por el lado musical, este tema muestra la vena punk de la banda, cultivada a partir de héroes como The Buzzcocks, Ramones y, especialmente, New York Dolls. Combina capas de feroces riffs por parte de Marr con lo que se presenta como el verdadero poder de la sección rítmica de la banda, un frenético Rourke y una batería salvaje de Joyce. Esta cualidad la hizo uno de los favoritos en vivo durante su última gira en Reino Unido en 1986, en la que era mezclada con una sección de “Rubber Ring” como puede escucharse en el disco Rank. Rodrigo “Bola” Torres
14.- The Boy With The Thorn In His Side (The Queen Is Dead, 1986)
Para el tercer disco, los Smiths ya conocían los conflictos dentro del negocio de la música y en esta canción Morrissey se mimetiza en la letra en su postura con las decisiones de las discográficas vs la libertad creativa. Uno de sus tantos sencillos que estuvo en el top 20 de popularidad y una de sus canciones más reconocidas, que le habla a nuestra parte interior que se siente incomprendida.
Marr ha dicho que escribió la música en cuatro minutos y sin esfuerzo, que escribirla fue tan agradable como escucharla. A pesar de que hubo voces en el entorno para no incluirla al listado final de canciones para The Queen Is Dead, tanto Morrissey como Marr insistieron para que entrara, considerando que al ver el resto de los tracks, hacía falta algo de luz en el disco.
En el año 2003, Morrissey nombre este tema, junto con “Now My Heat Is Full”, como su canción favorita que haya escrito hasta ese momento. Gerardo Lamas
13.- The Headmaster’s Ritual (Meat Is Murder, 1985)
Otro de esos temas de The Smiths que siempre me han sonado muy punk en su estructura, será por esas guitarras entrecortadas y rápidas, a la par de la base instrumental que mantenía el ritmo y la intensidad durante toda la canción, o vayan ustedes a saber por qué.
Claro, toda la limpieza de las guitarras que solía otorgarnos la banda, que hasta cuando quisieran ser unos cafres, resultaban elegantes. También yo creo que tenía que ver esa brutal denuncia del sistema educativo inglés, mismo que fue puesto en el ojo del huracán mediático a raíz de esta canción, al grado de entrevistar al Headmaster de la escuela a la que asistió Morrissey, en la que, de acuerdo con él mismo fue “sodomizado emocionalmente de los 11 a los 16 años […] lo recuerdo todo con gran detalle, ese horror no puede enfatizarse lo suficiente, cada día era una pesadilla humana”.
La música tardó 3 años en terminarse, Marr inició con una secuencia de acordes sencillos, en una guitarra afinada en abierta en RE inspirados en Joni Mitchell, a los que después fue añadiendo fraseos haciendo leves referencias a George Harrison.
Un tema redondo y tremendo para arrancar un álbum. Tony Spinotti
12.- Please Please Please Let Me Get What I Want (Sencillo, 1984)
Como buen amante del punk, y aunque no tengan nada que ver con el género directamente, me gustan las canciones concretas, cortas y con un mensaje o una letra directa.
Todo esto cabe en un tema tan corto como efectivo “Please Please Please Let Me Get What I Want”, una plegaria tristísima que se arrastra de forma dolorosa a través de una melodía enmarcada por una nítida guitarra y unos puntuales y hermosos arreglos. Morrissey alguna vez describió este tema como “un muy breve puñetazo en la cara”.
Musicalmente, Marr dice haber intentado capturar en este tema la esencia musical de Del Shannon, un favorito de su madre que él escuchó mucho durante su infancia.
Otra de esas caras B que agradeces que The Smiths tan constantemente lanzaran al mundo, y que, a pesar de serlo, ha sido rescatada en incontables ocasiones, muchas de ellas para aparecer en bandas sonoras. La primera de ellas siendo Pretty In Pink de John Hugues en 1986. Tony Spinotti
11.- William, It Was Really Nothing (Sencillo, 1984)
Al unir el intelectualismo sardónico de Morrissey y la sensibilidad armónica de Marr, y tomando en cuenta las influencias compartidas, desde el punk Neoyorquino y sus canciones de dos minutos y medio hasta el pop de inicio de los sesentas y sus canciones de dos minutos y medio; se podría aventurar que la señal inicial de estar ante un grupo de status superior sería la fabricación de la canción perfecta de dos minutos y medio. Les tomo un par de años y un par de intentos.
Dos guitarras acústicas en diferentes octavas revolotean alrededor de sí mismas durante ciento veintidós segundos y acompañan la voz que atraviesa el sinsentido de una relación cualquiera y las liturgias en las que se desarrollan, a través de la lluvia monótona y la sensación de que cualquier decisión es la encarnación de un conformismo predecible. Todo para desembocar en una lapidaria línea que sirve como punzante final, como lema de vida o como la confesión presciente para entender al personaje protagonista que hoy conocemos, amamos y padecemos: I don’t dream about anyone except myself. Alex Torres
10.- This Charming Man (Sencillo, 1983)
Una de las canciones más emblemáticas de The Smiths, lanzada en 1983 como segundo sencillo para su álbum debut homónimo. Se ha convertido en un himno para los fans. Musicalmente suena armoniosa, alegre y enérgica. Sin embargo, la narrativa de la canción aborda temas de inseguridad y plantea temas existenciales, nos hace preguntarnos si somos suficientes en una sociedad que nos exige demasiado: Juventud, carisma, belleza y otros valores superficiales nos van encaminado a una serie de exigencias que nos toma por sorpresa a una edad vulnerable y nos cuestionamos si somos suficientemente hermosos o delgados, para una sociedad que al final no nos devuelve nada a cambio.
Para el video musical reflejan un nuevo estilo indefinido en aquella época pero que marcaría pautas de una nueva ruta, tanto musical como visual. En el video se presentan en un cuarto blanco lleno de flores en el piso y Morrissey canta con un ramo de flores en mano, usando ropa minimalista, como sacada del baúl de sus abuelos y adornándose el cuello con grandes y brillantes collares, con lo que refuerzan el significado de la canción, creando una poderosa conexión entre la estética visual y lírica. Adriana Armenta
9.- How Soon is Now? (Sencillo, 1984)
La primer canción que me fue reconocible de The Smiths es también una de las más particulares de su discografía. Tanto por su extensa duración como por esas guitarras, efectos y distorsiones que se van sucediendo.
La canción toma su título de la pregunta realizada por el libro feminista de Marjorie Rosen titulado Popcorn Venus.
Por momentos, pareciera la apuesta del grupo por tener un tema largo y que coquetea con el progresivo, pero su irresistible melodía y su tono pop lo mantienen en un lugar aparte. Ni que decir de que, en su momento, esa personalidad sombría, hasta sucia de la canción y la apasionante forma de cantar de Morrissey frases como: “You shut your mouth / How can you say / I go about things the wrong way? / I am human and I need to be loved / Just like everybody else does”.
La génesis del famoso groove se remonta a Johnny Marr trabajando en un tema que capturara el espíritu “pantanoso” del rock de los sesenta, específicamente “Run Through The Jungle” de Creedence Clear Water Revival, a la que llegó a través de un cover de The Gun Club. El primer demo lo llamó “Swamp”. Más adelante añadiría el trémolo, mismo que tenía tiempo queriendo utilizar y que fue inspirado por el sonido de Bo Diddley en general, el tema “I Want More” de Can y “Disco Stomp” de Hamilton Bohannon.
Un tema que me impactó desde el primer momento. Tony Spinotti
8.- What Difference Does It Make? (The Smiths, 1984)
A pesar de ser una de las primeras canciones en posicionarse en las listas de popularidad, “What Difference Does It Make?” es uno de los temas más detestados por Morrissey. Su letra aborda el rechazo de un amigo cercano tras descubrir un secreto tuyo, algunos seguidores de la banda especularon que Morrissey canta acerca de un amigo que lo rechazó al enterarse de su homosexualidad.
“What Difference Does It Make?” se incluyó, tanto en el debut de la banda, con una exquisita progresión de acordes al final de la canción, como en el compilatorio Hatful Of Hollow. Esta última grabada por el legendario conductor John Peel, con una versión menos producida, con guitarras más sencillas y en otra tonalidad.
Para la portada del sencillo, la banda quería utilizar una fotografía del actor Terence Stamp, tomada en el set del filme The Collector. Stamp negó el permiso para usar la imagen, así que Morrissey recreó la escena, sosteniendo un vaso con leche en lugar del cloroformo de la original. Eventualmente, Stamp cambió de decisión, concediendo el uso de su fotografía, convirtiendo la portada de Morrissey en una rareza. [gus]
7.- Still Ill (The Smiths, 1984)
Es difícil discrepar con Simon Goddard cuando dice que: “Still Ill” se distingue del resto del álbum [debut] como una declaración de misión más abstracta de los principios del SMITHDOM: la enfermedad como arte, el rechazo del empleo mundano, la lucha entre la biología y la mentalidad, y la exigencia de que ‘England is mine and it owes me a living’.
Como en muchas otras canciones, Morrissey toma frases de sus autores favoritos, en este caso lo hace en partida doble: por un lado, de la obra de teatro The Lion In Love de Shelagh Delaney (KIT: I’ll go out and get a job tomorrow / JESSE: You needn’t bother. Y I’d sooner spit in everybody’s eye) y por otro, de la autobiografía de Viv Nicholson (We walked for miles … right over the iron bridge and down underneath it on to the tow path. We were kissing away and touching and getting really sore lips from biting one another.). De acuerdo con él mismo, “el mensaje de la canción es olvidar el cultivo del cerebro y concentrarse en el cultivo del cuerpo”, una búsqueda desesperada de un placer más mundano y ausente en su vida.
En lo que respecta a la música, esta fue escrita por Johnny Marr en una sesión que también produjo “This Charming Man” y “Pretty Girls Make Graves”, todas pensadas durante un viaje en tren de vuelta a Manchester tras una sesión para Radio 1. Sobre esto, incluso él agradece la gran memoria musical que posee. Específicamente en “Still Ill” logra uno de sus riffs más efectivos y su composición más filosa y arriesgada hasta ese punto.
La suma de todos sus elementos la hizo una favorita en directo que permaneció en su setlist desde septiembre del 83 hasta su último show en diciembre del 86. Y también una de las predilectas de Elvis Costello.
¿Qué tanto logra Morrissey captar en esta canción? Bueno, el escritor Will Self se aventura a sugerir que “‘Still Ill’ representa nada menos que los últimos dos siglos de pensamiento filosófico occidental comprimidos en tres entusiastas minutos”. Rodrigo “Bola” Torres
6.- Hand In Glove (The Smiths, 1984)
La presentación en sociedad de la banda. El primer sencillo, pero más que eso, un manifiesto de intenciones. La producción, el arte físico, la temática, la relación instrumental tenían exactamente los elementos que serían las banderas de la agrupación hasta el último día, todos y cada uno de los detalles pensados y decididos bien o malintencionadamente por la dupla creativa más importante en la industria musical británica desde Lennon y McCartney.
Autoproducido, con una portada controversial tomada del libro The Nude Male de Margaret Walters, captura un sentimiento básico y recurrente en el género, «nosotros contra ellos» desde un ángulo críptico. ¿Se habla de dos amantes jóvenes? ¿se habla de esta banda contra las demás? cuando se escucha «Tenemos algo que ellos nunca tendrán» o «¡Este es diferente porque somos nosotros!» ¿va más allá del texto lineal y nos avisan que sí, esto es rock, esto es pop, esto dura 3 minutos y suena en la radio, pero esto es algo que nunca has escuchado?
Esta canción no solo marcó el inicio de The Smiths, sino que estableció un tono y estilo que resonaría profundamente con sus contemporáneos y durante cuarenta años hasta la fecha, convirtiéndose en una emblemática primera explosión de lo que estaba por venir. Alex Torres
5.- Bigmouth Strikes Again (The Queen Is Dead, 1986)
Es una canción con la que muchos podemos identificarnos, ya que refleja cómo nuestras palabras pueden hacernos vulnerables al juicio ajeno, ya sea a través de un pensamiento, una emoción o a través de una opinión.
Escrita por Johnny Marr y Morrissey para su tercer álbum The Queen Is Death, lanzado en 1986, la canción evoca una intensa gama de emociones a través de la letra y los ritmos en guitarra de Marr. La combinación de los coros y tarareo de Morrissey le añade una melancolía y dulzura inconfundibles.
Fue una época en la que la banda experimentaba la sensación de que todo lo que decían podría ser malinterpretado, ya que estaban en un punto donde los encuentra la mayor fama y se vuelven figuras de interés donde todo lo que podrían decir incluso en entrevistas podría someterse a escrutinio público. Sin embargo, la genialidad de estos dos compositores les permitió abordar esta temática de manera magistral resultando en una de las canciones más geniales de su discografía. Adriana Armenta
4.- Reel Around The Fountain (The Smiths, 1984)
Una letra que sí que deja abiertas distintas interpretaciones. En algún momento esta situación orilló a la canción a verse envuelta hacia el tema de la pedofilia, lo cual lo puso en el ojo del huracán, pero dejando de lado esa interpretación tan oscura, podemos quedarnos con una que me gusta más: la de la perdida de la inocencia.
Y es que la interpretación vocal de Morrissey y la música en general me llevan a ello. A una sensación de desencanto, de nostalgia y de obsesión. Algo muy juvenil, muy carnal y muy humano. Aparte, es una de las canciones que, a mi gusto, define el estilo de The Smiths con su irresistible melodía.
Como muchas de las canciones escritas por Morrissey, está llena de guiños literarios. El título de la canción, de nuevo, se debe al libro Popcorn Venus de Marjorie Rosen. Libro en que analiza películas desde un punto de vista feminista y en el cual observa una escena de La Dolce Vita de Federico Fellini en la que Anita Ekberg baila alrededor de la fuente de Trevi, en Roma y la describe como reeling around the fountain.
Así mismo toma imágenes del libro From Reverence To Rape, de Molly Haskell, que también analiza películas desde un punto de vista feminista, y más literalmente las líneas “I dreamed about you last night. Fell out of bed twice” de A Taste Of Honey de Shelagh Delaney. En respuesta a quienes lo acusaron de plagio por esto, Morriseey respondió que “el resto casi con certeza salió de mi cerebro”.
Tony Spinotti
3.- Cemetry Gates (The Queen Is Dead, 1986)
Este tema, del álbum The Queen Is Dead, reposa en la obsesión de Morrissey por las vidas trágicas, como las de James Dean y Oscar Wilde, y en la poesía del irlandés Yeats. Escrita por la dupla Marr/Morrissey, esta canción descubre a la banda contemplando la mortalidad mientras el relator camina por un cementerio, una práctica común en Morrissey durante su juventud, y se aflige por todas las personas, con sus odios, amores y pasiones, que han muerto.
“So we go inside and we gravely read the stones
All those people, all those lives, where are they now?
With-a loves and hates and passions just like mine
They were born and then they lived and then they died
Seems so unfair, I want to cry”
Poema sobre poetas y diatriba a la falta de originalidad. Al leer las lápidas, el narrador se identifica con las pasiones de los fallecidos y su acompañante lo acusa de plagio. “Cemetry Gates” destaca por su esplendor poético y por poseer uno de los ritmos más radiantes de Marr.
A pesar de ser uno de los temas más aclamados por la crítica y los seguidores de la agrupación, “Cemetry Gates”, con su error gramatical, estuvo cerca de no ser publicada, ya que Marr no estaba conforme con los acordes de guitarra, sin embargo, Morrissey insistió en que la trabajaran, logrando que fuera incluida de último momento en el álbum más aclamado de The Smiths. [gus]
2.- There Is a Light Than Never Goes Out (The Queen Is Dead, 1986)
El cénit de la música alternativa se alcanza de los ciento tres a los ciento veintiún segundos de esta canción. Indebatible. Intocable. Infinita. Siempre habrá alguien que confunda universalidad y popularidad con ausencia de filo e intentará poner pegas a la canción insignia de las bandas que han hecho de la calidad su respuesta a la cantidad como guía. Pero no se engañen. Nunca en los anales del rock/pop el fatalismo romántico se había expresado de una forma tan definitoria como en la novena canción del tercer disco de la mejor banda de la historia.
«There Is A Light That Never Goes Out» es una obra maestra que encapsula la gracia única de The Smiths. A medio camino entre el nihilismo y el romance, con una mezcla de anhelo y alienación potenciada por un riff digno del mejor Velvet Underground y los arreglos de cuerdas del sampler emulator II, la canción se erige como el Arca de la Alianza, o el Vellocino de Oro de cualquier banda que de verdad lo está intentando. Esa canción imposible que puede vivir perfectamente en un playlist, en la escena cumbre de una película, en la lista de covers de Neil Finn o en las discusiones infinitas de adolescentes que solo leen a Joyce y Austen. Solo a alguien suficientemente genial para producir la canción definitoria de una década le parecería gracioso no lanzarla como sencillo. Cuando el arte te hace tan invencible que ni tú mismo te puedes destruir. Alex Torres
1.- I Know It’s Over (The Queen Is Dead, 1986)
Martin Roach: Johnny, ¿tienes algún ejemplo en el que el letrista haya dado en el clavo con su articulación en cuanto a representar tus propias emociones y sentimientos con los que creaste la canción?
Johnny Marr: Oh, sí, “I Know It’s Over” de The Smiths. Cuando lo escuché cantarla por primera vez en el estudio fue increíble.
Esta canción es el producto de la sincronización perfecta entre Morrissey y Johnny Marr y fruto de la misma sesión en que fue compuesta “There Is A Light That Never Goes Out”.
Forma parte de una especie de trilogía de baladas desconsoladoras junto con “Asleep” y “Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me”. Si bien, dentro de las tres, es la que cuenta con elementos esperanzadores como el reconocer que el amor es natural y es real o que la gentileza y la bondad son signos de valentía, este reconocimiento la hace la más desoladora de las tres, precisamente porque se muestra explícitamente aquello que está siendo negado.
“I Know It’s Over” es una canción épica que rápidamente asumió un lugar único dentro del credo de los fanáticos de The Smiths. Por su ejecución musical, su peso emocional y su alcance, pocas veces un dolor tan profundo se ha expresado con tanta destreza en el pop. Otra singularidad de este tema es el interrogatorio que Moz comparte con su audiencia, sumando al mismo tiempo complicidad y desafío sobre las profundas inseguridades que tienen en común.
… If you’re so funny / Then why are you on your own tonight?
And if you’re so clever / Then why are you on your own tonight?
If you’re so very entertaining / Then why are you on your own tonight?
If you’re so very good looking / Why do you sleep alone tonight?
I know…
Marr ha hablado en extenso sobre este tema. Ha dicho que ver/escuchar a Morrissey entrar y grabar su voz para esta canción, sin saber lo que tenía preparado, como «uno de los momentos más destacados de mi vida», y le dijo a Johnny Rogan que «las insinuaciones en cada línea respecto hacia dónde iba a ir, yo pensaba: «¿Va a ir hacia allá?» ¡Sí, allá va! Fue simplemente brillante”. Y que «Era algo que The Smiths siempre amenazaban con hacer […] Una gran balada melancólica y furiosa, sin dejar de ser DIY, sin dejar de ser post-punk. No es una producción exagerada pero sí muy cargada de emoción. ‘I Know It’s Over’ es algo que sólo nosotros podríamos haber hecho”.
Jeff Buckley versionó la canción tanto en estudio como en vivo. A veces sumándola como medley a “Hallelujah”, creando una obra de arte que todo el mundo debería escuchar. Esta es una de las raras excepciones en las que un cover de temas de The Smiths no desmerece. Rodrigo “Bola” Torres