Publicado por Un año con muy buena música
Empiezan las listas y recuentos del año y, como ya todos conocemos la mecánica, voy directo al grano. Les dejo los 24 discos que más disfruté durante este año, una breve semblanza de cada uno de ellos y el video de algún tema del disco (versiones en vivo/sesiones cuando es posible) y al final un playlist con la lista completa en sus versiones originales.
Empecemos la cuenta regresiva:
24.-Being Dead – EELS
El dúo estadoudinense Being Dead, compuesto por Falcon Bitch y Smoofy, lanzó este año su segundo álbum titulado EELS. Este nuevo trabajo es rico en espontaneidad y experimentación, combina voces masculinas y femeninas, cambios rítmicos constantes y una diversidad de géneros como el shoegaze, el garaje rock, el punk y las influencias del surf rock de los años 60.
En temas como «Van Goes» reflexionan sobre la falta de tiempo en la vida cotidiana, mientras que en otros como «Problems» plantean una lucha interna expresada en un diálogo musical entre Falcon y Smoofy. Con esta variedad, EELS se presenta como un álbum que evita la repetición y que captura la energía de sus presentaciones en vivo de la banda, mostrando una evolución en su propuesta.
23.-Rosali – Bite Down
Bite Down, el nuevo álbum de Rosali Middleman, captura la experiencia de despedirse de un lugar conocido y enfrentar nuevos desafíos y oportunidades. Este trabajo presenta una mezcla de piezas introspectivas y otras de gran energía. La temática de las letras aborda el amor, la pérdida y el autoconocimiento, plasmados con una voz que se mantiene serena frente a la fuerza instrumental de la banda. Los arreglos musicales destacan por la variedad de atmósferas creadas por las guitarras de James Schroeder, los sintetizadores de Ted Bois y la sección rítmica de David Nance (bajo) y Kevin Donahue (batería). Esta combinación dota al álbum de una dinámica constante que mantiene la atención del oyente a lo largo de la obra.
22.-Grandaddy – Blu Wav
Grandaddy se consolidó a finales de los años noventa y principios de los dos mil con discos como Under The Western Freeway (1997) y The Sophtware Slump (2000). Tras una pausa en su trayectoria, Jason Lytle emprendió una carrera en solitario, pero en 2017 Grandaddy regresó con Last Place y, tras siete años de espera llega Blu Wav.
Este nuevo trabajo combina elementos de indie-pop con influencias de folk, country y bluegrass, desarrollándose a través de un repertorio musical marcado por una atmósfera de ensueño y ejecución bien cuidada. Un disco que recompensa una escucha atenta que permita apreciar todos sus matices.
21.-Merce Lemon – Watch Me Drive Them Dogs Wild
Merce Lemon presenta Watch Me Drive Them Dogs Wild, su tercer álbum de estudio y el primero tras una pausa de cuatro años. Inspirado por el contacto con la naturaleza y la introspección durante un verano al aire libre en Pittsburgh, el disco aborda la relación con el entorno y la búsqueda de significado en los momentos cotidianos.
A nivel sonoro, la propuesta combina elementos de country rock, folk y arreglos de guitarra con toques de distorsión, mientras que la instrumentación se equilibra entre la contención y la explosión, con guitarras resonantes y armonías que refuerzan la sensación de viaje y de cambio. Una de las más gratas sorpresas de este año.
20.-Suki Waterhouse – Memoir Of A Sparklemuffin
Suki Waterhouse lanzó este año Memoir Of A Sparklemuffin, su nuevo álbum que consolida su presencia en la escena musical actual. Este trabajo presenta una fusión de influencias de pop, indie rock y elementos de folk, generando una propuesta sonora que destaca por su dinamismo. A lo largo del disco, Waterhouse imprime una narrativa que abarca desde la reflexión melancólica hasta la exaltación emocional, con temas como «Legendary» y «Everybody Breaks Up Anyway» que ejemplifican este contraste de emociones.
La voz de Waterhouse se presenta como el eje central del álbum, especialmente en «Lullaby» y «Could’ve Been A Star», donde se evidencia su capacidad para transmitir con sutileza y precisión. Con Memoir Of A Sparklemuffin, Waterhouse continúa con su exploración musical, ampliando los límites de su propuesta artística.
19.-Been Stellar – Scream From New York, NY
Been Stellar se formó en un entorno universitario canalizando sus experiencias urbanas en su música, y su álbum debut, Scream from New York, NY refleja las tensiones y contrastes de vivir en una metrópoli llena de contradicciones. Las letras de Sam Slocum abordan temas de comunicación fallida y desencanto generacional, como se evidencia en temas como “Sweet” y el tema que da título al álbum.
La instrumentación, con guitarras intensas y sólidas baterías, refleja un profundo conocimiento de las raíces del post punk, a la vez que aporta un toque moderno. A través de un sonido denso y emotivo, el grupo ofrece una visión lírica y sónica que conecta con las inquietudes de su generación. Scream from New York, NY no solo marca un prometedor debut, sino que también posiciona a la banda como una voz relevante en la escena actual.
18.-English Teacher – This Could Be Texas
English Teacher lanzó su debut titulado This Could Be Texas. El disco combina temas enérgicos y potentes con otros más bien introspectivos, destacando la versatilidad de Lily Fontaine como vocalista y compositora, destacando por su ingeniosa narrativa.
A través del disco English Teacher demuestra que su propuesta no se limita a la energía cruda, sino que se expande hacia terrenos más complejos y arriesgados. Con este lanzamiento establecen una identidad musical sólida y promete una presencia destacada en la escena musical en los próximos años.
17.-Kendrick Lamar – GNX
En varios sentidos se podría decir que 2024 fue el año de Kendrick Lamar. Primero fulminó a Drake con una serie diss tracks, después se regodeó de ello en su pop out show, luego fue elegido para tocar en el medio tiempo del super tazón y finalmente (por ahora) lanzó por sorpresa su sexto álbum GNX.
Se trata de un disco que combina ritmos de rap tradicionales con elementos de la música contemporánea, a través del cual Kendrick despliega una lírica cargada de simbolismo y referencias culturales. La secuencia de temas entrega un disco sumamente pegajoso al cual se tiende a volver para escuchar en su totalidad. Con GNX, Kendrick reafirma su posición como una de las figuras clave del rap contemporáneo, al tiempo que propone un mapa de navegación para el género desde su particular perspectiva sobre cómo debe de ser.
16.-Bright Eyes – Five Dice, All Threes
El nuevo álbum de Bright Eyes, titulado Five Dice, All Threes, se caracteriza por una mezcla de narrativa críptica y confesiones personales. La primera canción como tal, «Bells and Whistles», presenta una lírica que oscila entre la autocrítica y el humor cómplice, mientras que otras piezas, como «All Threes» y «Hate», alternan entre arreglos simples y producciones más complejas. «El Capitan» incorpora ritmos de americana, evocando influencias de músicos como Arlo Guthrie, mientras que «Bas Jan Ader» introduce el sonido del banjo para acompañar la reflexión de Conor Oberst.
El álbum también incluye momentos de experimentación musical, como en «Spun Out», donde se combina el folk con elementos de hip-hop, como scratches de DJ y guitarras con reverb. En el plano emocional, «Tiny Suicides» se convierte en el eje central de la obra, con una balada de piano que incorpora un monólogo extraído de la película Suddenly (1954), protagonizada por Frank Sinatra. Por su parte, «Rainbow Overpass», cuenta con la colaboración de Alex Levine de So So Glos, y transita de un inicio acústico hacia un rock vibrante con reminiscencias de Bob Dylan y Weezer.
15.- Adrianne Lenker – Bright Future
Adrianne Lenker ha consolidado su lugar como una compositora sumamente talentosa y versátil, ya sea en su faceta como integrante de Big Thief o en sus proyectos en solitario. Tras el éxito de su álbum Dragon New Warm Mountain I Believe in You, Lenker reunió a un equipo de colaboradores que incluye a Nick Hakim, Josefin Runsteen, Mat Davidson, Philip Weinrobe y su hermano Noah Lenker. Este nuevo grupo dio lugar a Bright Future, una producción musical que se caracteriza por su sensibilidad artística.
Bright Future es un monumento a la belleza en donde aparecen los rasgos más distintivos del talento de Lenker, una intrincada selección de guitarras y una extraordinaria capacidad para crear imágenes y melodías que acompañan hasta después de terminado el disco. “Sadness As A Gift” y “Ruined” son un ejemplo de esto.
14.- Jack White – No Name
No Name, el nuevo álbum de Jack White, marca un regreso al sonido inicial de blues, rock enérgico y garage rock que caracterizó a The White Stripes. Mismo que Jack mantuvo relativamente a raya durante la mayor parte de su carrera solista.
En No Name, canciones como «Old Scratch Blues» y «That’s How I’m Feeling» recuperan la esencia de sus primeros trabajos, mientras que «Archbishop Harold Holmes» muestra la intensidad vocal que ha definido su estilo a través de los años. Con este trabajo, Jack White demuestra que, tras experimentar con múltiples estilos, volver a lo esencial puede ser una forma efectiva de renovar su impacto musical.
13.- Yard Act – Where’s My Utopia?
En su segundo álbum, Where’s My Utopia?, Yard Act presenta una propuesta llena de creatividad y humor ácido, en la que exploran temas como la ansiedad y la inseguridad de una manera ligera. El sonido del disco se caracteriza por riffs suaves, guitarras fluidas y un trabajo de sintetizadores que lo llevan a un lugar casi surrealista. A través de las canciones, James Smith y compañía juegan con el contraste entre lo familiar y lo extraño, reflejando la desconexión entre las expectativas que se tenían sobre la adultez y la fama y la realidad de los años 2020. Utilizando el sprechgesang, Yard Act ha logrado desarrollar un sonido distintivo que hace de su música algo inconfundible.
A pesar de las temáticas a veces espinosas, Where’s My Utopia? mantiene un tono lúdico e irónico en muchos momentos, como en el pegajoso «Dream Job» o “We Make Hits”. Yard Act, con su singular estilo, invita a abrazar lo extraño de la vida y a encontrar un refugio de esperanza y autenticidad en medio del caos.
12.- Nick Cave & The Bad Seeds – Wild God
En su nuevo álbum Wild God, Nick Cave & The Bad Seeds presenta un mensaje de sanación y consuelo, que contrasta con la melancolía de Ghosteen su trabajo anterior. Las canciones son más directas y urgentes, ofreciendo una sensación de alivio frente a las pérdidas y dificultades, un tema recurrente en la obra de Cave desde la trágica muerte de su hijo. La música, más centrada y accesible, utiliza imágenes suaves y en ocasiones pastorales, dejando atrás la complejidad sombría de sus discos previos, para presentar un álbum con un enfoque más claro y reconfortante.
Las composiciones tienen una carga espiritual más marcada, con momentos de pura elevación como en «Conversion» y «Joy», que invitan al oyente a un viaje de asombro y luz. Wild God consolida a Nick Cave como una figura que, tras haber sido conocido por su tono sombrío y desgarrado, ahora se presenta como un portavoz de la esperanza.
11.- Camera Obscura – Look to the East, Look to the West
Look to the East, Look to the West, se mantiene fiel al estilo característico de indie pop melancólico con elementos del twee y el reverb de Camera Obscura. Aunque el álbum sigue un ritmo generalmente lento y de medio tiempo, algunas canciones, como “We’re Gonna Make It In A Man’s World”, muestran una mayor complejidad en su estructura, incluso cambiando de compases a medida que avanzan. Influenciados principalmente por el pop de los años 60 y el sonido de los grupos femeninos de esa época, la banda incorpora elementos menos comunes en el indie británico, como la pedal steel, lo que agrega una dimensión diferente a su sonido.
A pesar de que el álbum puede parecer algo sombrío en algunos momentos, especialmente en sus baladas, la banda logra transmitir una atmósfera cálida y emocional. El enfoque lírico sigue siendo un tema central, con Tracyanne Campbell cantando sobre el amor, el envejecimiento y la mortalidad con una perspectiva más madura. Canciones como “Liberty Print” abordan temas profundos con una sencillez directa, mientras que algunas elecciones instrumentales, como el uso de glockenspiel en “Denon”, aportan un interés sonoro adicional.
10.- Porridge Radio – Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me
Porridge Radio, formado inicialmente como un proyecto en solitario por Dana Margolin en 2014, ha evolucionado significativamente desde sus primeras presentaciones en micrófonos abiertos hasta convertirse en una banda completa.
Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me fusiona la crudeza de sus primeros trabajos con arreglos más complejos, explorando una mezcla de indie rock, folk, post punk y elementos experimentales. Este álbum marca una transición en el sonido de Porridge Radio, alejándose del lo-fi de sus inicios y adoptando registros más amplios. Las letras de Margolin, profundamente personales, son el núcleo del álbum, abordando temas de inseguridad, el agotamiento y las transformaciones turbulentas del amor con una sinceridad desgarradora. Temas como “A Hole In The Ground” y “God Of Everything Else” capturan momentos de frustración y dolor emocional, mientras que el cierre con “Sick Of The Blues” ofrece una especie de liberación tras la intensidad del resto del disco.
9.- Cindy Lee – Diamond Jubilee
Diamond Jubilee, el séptimo álbum de Cindy Lee, es un titánico proyecto de 32 canciones cargado de ideas y emociones en las que Patrick Flegel presenta una nostalgia deliberadamente inalcanzable, transformando referencias del pasado en una maraña de texturas, fusionando géneros y creando momentos de profunda sinceridad en medio de la experimentación.
Diamond Jubilee se caracteriza por su carácter disperso y ambiental, en el que se entrelazan ecos de pop africano, psicodelia de la Costa Oeste y sonidos de la era disco. Las canciones oscilan entre la claridad y la saturación sonora, con una producción que parece caótica pero que, en el fondo, mantiene un propósito emocional. Flegel, a través de su estilo vocal andrógino y sus arreglos inusuales, logra un álbum que no solo explora la nostalgia cultural, sino también la ansiedad contemporánea, abordando temas de amor, recuerdos y la percepción del tiempo. Quizás el disco más singular de este año.
8.- Laura Marling – Patterns In Repeat
Patterns In Repeat de Laura Marling continúa de alguna manera con la temática de Song For Our Daughter (2020), ofreciendo una reflexión íntima sobre la maternidad, la memoria y los ciclos de la vida. Con una instrumentación centrada en guitarras acústicas, piano y cuerdas, la ausencia de percusión da lugar a una atmósfera serena pero llena de profundidad emocional. A lo largo del álbum, las cuerdas se expanden con sutileza, sin buscar grandes picos de intensidad y permitiendo que el lirismo de Marling se exprese con claridad.
Las conexiones familiares tienen un papel central en el disco, no solo en la relación madre-hija, sino también en la presencia del propio padre de Marling, quien aporta la canción “Looking Back”. Este tema, escrito por él hace casi 50 años, es reinterpretado por su hija, dando un giro emotivo a versos que abordan la nostalgia y la desconexión con el presente. Lejos de frenar su creatividad, la maternidad se ha convertido en un motor para Laura Marling.
7.- Gurriers – Come And See
Come and See es la carta de presentación de Gurriers, quienes desde Dublin nos hacen seguir preguntándonos qué le ponen al agua en Irlanda en los últimos años. Con un sonido cargado de guitarras estridentes, líneas de bajo dinámicas y baterías intensas, el grupo aborda temas de alcance global como los conflictos en Palestina, Sudán, Ucrania y Myanmar, así como problemas sistémicos como la austeridad y el cambio climático.
Canciones como “Nausea”, “Des Goblin” y “Dipping Out”, actúan como una descarga de energía, con letras directas y contundentes que recuerdan a la fuerza de un manifiesto. Las guitarras suenan como sirenas de emergencia, mientras la voz de Dan Hoff lanza frases que, por su simpleza e impacto, se asemejan a los lemas de una protesta. A través de este álbum, Gurriers no solo despliega su potencia musical, sino que también plantea preguntas sobre el mundo actual, desafiando al oyente a enfrentar las realidades que probablemente preferiría ignorar.
6.- Why? – The Well I Fell Into
The Well I Fell Into, el último disco de WHY?, presenta una exploración de las emociones humanas. El álbum destaca por un enfoque reflexivo y letras que abordan temas como la ruptura amorosa, la ansiedad y la búsqueda de propósito personal. Yoni Wolf presenta una narrativa no lineal, pero con canciones como “Marigold” establecen el tono general: una sensación de desarraigo y auténtica autoevaluación.
La música, caracterizada por pasajes sonoros suaves y ritmos controlados, se convierte en el soporte para las letras directas y a veces incómodas de Wolf, quien en este disco demuestra que la madurez no implica necesariamente abandonar la complejidad emocional ni la necesidad de buscar un propósito.
5.- Friko – Where We’ve Been, Where We Go From Here
El álbum debut de Friko, Where We’ve Been, Where We Go From Here, ofrece una experiencia musical diversa y emotiva. La canción de apertura, “Where We’ve Been”, es representativa del tono del disco con una intro suave de acordes de guitarra y una íntima interpretación vocal de Niko Kapetan. La pieza evoluciona gradualmente hacia un final enérgico, donde el canto se transforma en un grito apasionado.
A lo largo de sus 36 minutos, el disco muestra una gran versatilidad, combinando temas de indie rock, baladas de piano melancólicas y serenatas acompañadas de cuerdas. Cada canción se distingue de la anterior, lo que evita que caiga en la monotonía. Friko demuestra con este debut una capacidad notable para la experimentación y la emotividad, dejándonos a la expectativa sobre los próximos pasos de la banda.
4.- SPRINTS – Letter To Self
El álbum debut de SPRINTS, Letter to Self, llegó en los primeros días de este año con una energía aplastante. Desde la primera canción, «Ticking», la banda irlandesa establece un ambiente de tensión que se construye de forma gradual hasta liberarse en una explosión. La voz de Karla Chubb es el eje central de este trabajo, con letras directas y cargadas de intensidad.
Letter To Self es un disco que gusta a la primera y que además va mejorando con cada escucha, una propuesta que continúa afianzando al post punk en este siglo y un trabajo que coloca a SPRINTS en el mapa como uno de los proyectos para seguir de cerca.
3.- Cameron Winter – Heavy Metal
Cameron Winter puso temporalmente en pausa su trabajo con Geese para trabajar en su debut en solitario. El resultado de esto fue Heavy Metal. En él se encuentra una voz completamente singular con rastros de diversos proyectos por demás atractivos como Casiotone For The Painfully Alone, Car Seat Headrest o Lou Reed por mencionar algunos.
Hay algo hipnótico, agradable y a la vez ligeramente perturbador en los 10 temas que componen el álbum, que toma su nombre no del género musical, sino de los metales pesados que no deberíamos consumir los seres humanos. La sinceridad y carga de abstracción en las letras hacen de este uno de los mejores debuts de los últimos años.
2.- Bill Ryder-Jones – Iechyd Da
El álbum Iechyd Da de Bill Ryder-Jones captura momentos clave de los últimos tres años de su vida. Con un enfoque introspectivo, las canciones exploran temas como el desamor, la salud mental y las dificultades económicas, todo ello acompañado por sonidos que evocan su entorno cotidiano en West Kirby, Merseyside. Con una producción cuidada, Ryder-Jones utiliza cuerdas, coros infantiles y sampleos de audio para enriquecer cada tema.
Canciones como «We Don’t Need Them» destacan por la inclusión de expresiones propias del dialecto de Merseyside, lo que añade una sensación de cercanía y autenticidad. La narrativa se construye con personajes y situaciones cotidianas que hacen que las letras parezcan conversaciones con viejos conocidos. Iechyd Da muestra a un Ryder-Jones en plena madurez creativa, capaz de traducir sus vivencias en un lenguaje musical accesible y conmovedor.
1.- Fontaines D.C. – Romance
Fontaines D.C. presentó esta año su esperado cuarto álbum Romance, y no decepcionó. Marcando un giro significativo en su estilo musical y con una propuesta más experimental y progresiva, la banda explora nuevos territorios alejándose de su característico post punk. Este viraje quedó claro desde el lanzamiento de «Starbuster», un primer sencillo con influencias de hip-hop, una estructura impredecible y un look de la banda estrafalario incluso para sus estándares.
Esto se mantiene a lo largo del álbum, donde se mezclan elementos de indie rock, shoegaze e incluso tintes de psicodelia en pistas como «Motorcycle Boy» y «Sundowner». La producción, ahora bajo la dirección de James Ford en lugar de Dan Carey, contribuye a la sensación de frescura y reinvención.
Con una duración total de tan solo 37 minutos, Romance continúa con el crecimiento artístico de Fontaines D.C.
Playlist: